Acquisition

La Galerie a été créée en 1966 pour rassembler les œuvres que l’Université Concordia avait acquises durant les quatre années précédentes. Les sept individus qui l’ont dirigée ont poursuivi ces activités de collectionnement en fonction de leurs intérêts et préoccupations jusqu’à ce qu’un moratoire sur les acquisitions soit imposé par la directrice en poste. La Galerie a recommencé à acquérir des œuvres en 2011 suite à huit ans de moratoire qui ont donné lieu à une profonde réflexion sur la nature et la pertinence d’un projet de collectionnement d’œuvres dans un contexte universitaire et à une amélioration des conditions de conservation des œuvres et de diverses pratiques encadrant le traitement de la collection. Les champs d’acquisition ont été redéfinis, et se concentrent désormais sur l’acquisition d’œuvres contemporaines produites dans les dix dernières années qui sont en lien avec la programmation de la Galerie.

Galerie Leonard & Bina Ellen, édifice J. W. McConnell, Université Concordia, 2010

Acquisitions d'œuvres récentes

2017

Jo-Anne Balcaen

Balcaen

Mount Rundle, 2014
Vidéo couleur, son – Disque dur, clé USB
3 min 42 s
Édition 1/5

Collection de la Galerie Leonard & Bina Ellen, Université Concordia
Achat, 2017 (017.04)

Image : Captation d’image extraite de la vidéo

Scrutant les mécanismes internes du monde de l’art et les règles complexes qui régissent son fonctionnement, le travail de Jo-Anne Balcaen met en lumière des aspects souvent occultés du vécu personnel et professionnel de l’artiste, tels que sa vulnérabilité psychologique, la pression sociale du milieu, l’impératif du succès et le stress financier inhérent à sa condition. Dans sa vidéo Mount Rundle, dont elle est la narratrice, Balcaen met en relation deux épisodes de son propre parcours artistique en prenant pour point de départ un petit paysage qu’elle a peint à l’âge de douze ans à partir d’une image du mont Rundle qui surplombe le Centre Banff, lieu mythique de la création au Canada. Sur un ton neutre et impersonnel, elle raconte que ce tableau constituait en fait une vision prémonitoire de son destin artistique puisque, vingt ans plus tard, elle allait se retrouver à l’endroit exact qu’elle avait représenté, enfant, pour effectuer une résidence d’artiste particulièrement infructueuse au Centre Banff. Ce récit anecdotique soulève un ensemble de réflexions quant à l’imprévisibilité du processus de création, aux difficultés qui le caractérisent, aux rapports de pouvoir, aux contraintes du système dans lequel l’artiste doit évoluer et aux différents états d’esprit qui peuvent l’habiter.

Raymond Boisjoly

Boisjoly

Author’s Preface, 2015
Installation, 25 impressions à jet d’encre et colle à papier peint
345,5 x 917 cm

Collection de la Galerie Leonard & Bina Ellen, Université Concordia
Achat, 2017 (017.05)

Image : Vue d’installation, Moucharabieh, Triangle France, Marseille, 2015. Photo : Aurélien Mole. Avec l’aimable concours de Catriona Jeffries

Author’s Preface est une œuvre marquante dans l’évolution récente du travail de Raymond Boisjoly qui combine son intérêt pour les modes de production et de transmission des images avec sa recherche sur le langage en tant que pratique culturelle, administrative et institutionnelle. Cette imposante installation murale est basée sur le film Divine Horsemen : The Living Gods of Haiti (1985) de la cinéaste expérimentale Maya Deren, un documentaire en noir et blanc portant sur les pratiques vaudou réalisé à partir de scènes tournées en Haïti entre 1947 et 1954. Les éléments visuels de l’installation sont des reproductions distordues du film de Deren, créées au moyen d’un iPod et d’un numériseur, selon une technique de re-médiation technologique que Boisjoly a mise au point dans les dernières années. Quant à ses composantes textuelles, des formules cryptiques composées par l’artiste, elles s’inspirent librement de ce que la cinéaste a écrit à propos du processus de production de ce film dans l’ouvrage éponyme qu’elle a publié en 1953. Ainsi, Author’s Preface explore différents usages (descriptif, didactique, pragmatique, philosophique, poétique) du langage et attire l’attention sur l’opacité, l’ambiguïté et l’incomplétude des systèmes de signes au moyen desquels nous représentons notre réalité culturelle. Évoquant par ses couleurs pastel l’esthétique bureaucratique, cette œuvre nous incite également à réfléchir sur la manière dont les pratiques administratives façonnent le discours des artistes.

Moyra Davey

Davey

Fifty Minutes, 2006
Vidéo, son – Disque dur
50 min
Édition 1/5

Collection de la Galerie Leonard & Bina Ellen, Université Concordia
Achat, 2017 (017.06)

Image : Captation d’image extraite de la vidéo

Première œuvre vidéo créée par Moyra Davey, Fifty Minutes est dotée d’un caractère programmatique puisqu’elle met en place la méthode narrative et profondément idiosyncrasique que l’artiste reprendra, en l’adaptant, dans ses réalisations ultérieures. Partant d’un texte qu’elle a elle-même rédigé, comme c’est le cas pour la plupart de ses vidéos, Davey a conçu cette œuvre d’autofiction sur le modèle d’une séance de thérapie d’une durée standard de cinquante minutes, au cours de laquelle elle revient sur les cinq années de psychanalyse qu’elle a elle-même effectuées à New York. À la récitation monotone de ses souvenirs liés à cette expérience psychanalytique, s’entremêlent des réflexions de natures diverses sur l’autobiographie, la nostalgie, la perte, le collectionnement, la vie domestique, la lecture, la connaissance et l’invention de soi. Convoquant plusieurs références littéraires et théoriques, allant de Sigmund Freud et Jean Baudrillard à W.G. Sebald, la narration libre de Davey est accompagnée des séquences d’images tournées de façon volontairement « non artistique » montrant différents espaces, objets, gestes et personnes de son quotidien. Comme en témoigne cette œuvre, sa démarche artistique se fonde sur l’observation soutenue du monde qui l’entoure, la réflexion, l’accumulation et la mise en récit de fragments intimes de sa vie quotidienne ou de son histoire personnelle et familiale.

Suzy Lake

À l’hiver 2017, la Galerie a acquis cinq œuvres de Suzy Lake appartenant à deux séries phares de sa période montréalaise (1968-1978) et qui rendent compte du caractère précurseur de son travail : Transformations (1973-1975) et On Stage (1972-1974). Ces deux séries sont emblématiques des premières investigations photographiques de l’artiste centrées sur la représentation et la transformation de sa propre image corporelle, et en particulier de son visage, dont elle a fait le sujet principal de ses œuvres. Explorant dans une perspective féministe les notions d’identification, d’imitation et de mascarade, les séries Transformations et On Stage témoignent également de l’adoption par Lake de certaines stratégies esthétiques qui se révèleront constitutives de sa démarche conceptuelle, telles que l’utilisation de la grille, la répétition et les séquences d’images.

Lake_1

Maquette : Suzy Lake as Françoise Sullivan, 1974/2012
Série : Transformations
Épreuve numérique de qualité archive
82 x 97 cm (encadrée)
Édition 1/3

Collection de la Galerie Leonard & Bina Ellen, Université Concordia
Achat, 2017 (017.01)