23 Avril – 21 Mai 2022
Pedro Barbáchano, Snack Witch Aka Joni Cheung, Jin Heewoong, Kevin Jung-Hoo Park, Christy Kunitzky, Laurel Rennie, Aman Sandhu, Holly Timpener
Les huit artistes exposé·e·s dans le cadre d’IGNITION 17 partagent avec nous leur vécu personnel, leurs réflexions politiques et leurs engagements poétiques autour de réalités qui touchent nos communautés depuis des siècles : les expériences de migration, la non-représentation ou la déformation de nos identités et de nos histoires, les rapports de forces et les biais inconscients. En plus de dénoncer des problèmes de longue date amplifiés par le contexte de la pandémie de COVID-19, leurs installations et leurs œuvres photographiques, textuelles, vidéo ou textiles proposent également des stratégies telles que les actions collectives, la bienveillance radicale et le travail sur soi afin de provoquer des changements structurels, institutionnels et personnels.
Dans la vitrine principale de la galerie, face à l’atrium, l’œuvre textuelle d’Aman Sandhu et les trois dessins accrochés sur le mur intérieur évoquent le racisme structurel qui sévit dans les institutions culturelles et les établissements d’enseignement, et expriment son scepticisme quant à l’essor actuel des politiques en matière de diversité, d’équité et d’inclusion. Dans la première salle, Holly Timpener et Pedro Barbáchano s’intéressent aux expériences queers du temps et de l’espace, ainsi qu’aux stratégies du care. La performance collaborative de Holly Timpener explore le pouvoir transformateur de l’incarnation collective du des temporalités queers, qui exprime la façon dont les personnes queers éprouvent le passage du temps. Les photographies de Pedro Barbáchano forment une archive d’autoportraits queers, souvent absents des collections muséales. Ses œuvres agissent comme des vecteurs de savoir et de visibilité pour les corps individuels queers et leurs expériences collectives. Poursuivant une réflexion sur les réécritures de l’histoire, les trois vidéos de Kevin Jung-Hoo Park se penchent sur le rôle du cinéma au sein de l’entreprise coloniale.
En se dirigeant vers les salles arrière contiguës, on aperçoit les œuvres de Snack Witch aka Joni Cheung et de Jin Heewoong, qui abordent des expériences de migration, de déplacement et d’appartenance. Snack Witch aka Joni Cheung présente des épisodes de sa chaîne YouTube sur la cuisine fusion chinoise-canadienne inspirée par différentes provinces. Plutôt que de transcrire mot pour mot les instructions de la cheffe, les sous-titres évoquent les expériences de migration entre différentes cultures envisagées sous l’angle de la nourriture. Dans la salle qui se trouve directement derrière l’œuvre de Cheung, les installations de Jin Heewoong traduisent visuellement l’impression d’étrangeté et la violence dont s’accompagne la migration vers un pays étranger et les tentatives de s’acclimater à une culture inconnue.
Dans la quatrième et dernière salle, l’installation de Christy Kunitzky examine l’ambiguïté de l’emballage comme geste à la fois protecteur et étouffant. Cette tension traduit les objectifs contradictoires des systèmes de santé capitalistes et de l’accès conditionnel à des traitements essentiels. Au côté de la remise en question des institutions de soins, les courtepointes créées par Laurel Rennie nous enracinent dans le potentiel guérisseur de nos mémoires individuelles. L’artiste conçoit la fabrication de courtepointes et la couture comme des gestes méditatifs permettant de s’arrêter sur des instants autrement insaisissables et sur le travail que l’on accomplit au cours d’une vie, souvent inconsciemment. Ses œuvres se penchent sur les cycles de l’évolution et de la transformation, de l’ordre et de la distorsion, du soin et de la guérison.
Marie Martraire
Marie Martraire est commissaire et la directrice des collections and des programmes spéciaux à KADIST. Elle a été directrice de KADIST San Francisco et commissaire en résidence à Hotel Maria Kapel à Hoorn (Pays-Bas) ainsi que directrice des programmes à l’Asian Contemporary Arts Consortium à San Francisco. Elle a également travaillé dans diverses institutions comme le Musée d’Orsay (Paris), l’Institut Lumière (Lyon) et Para Site (Hong Kong). Martraire a été commissaire et co-commissaire d’expositions solos et collectives, de performances et de programmes de films à l’international avec entre autres les artistes Pio Abad, Milena Bonilla, Cao Fei, Jeamin Cha, Yin-Ju Chen, Dina Danish, Harun Farocki, Li Ran, Leila Pazooki, Public Movement, Arin Rungjang, Emilija Škarnulyte, Sriwhana Spong, et Hong-Kai Wang. Ses écrits ont été publiés dans Journal for Curatorial Studies, Journal for Chinese Contemporary Art, LEAP Magazine, Art Practical, et SFAQ. Martraire siège au conseil du San Francisco Film Cinematheque et poursuit des études doctorales en film et image en mouvement à l’Université Concordia à Montréal.
IGNITION est une exposition annuelle mettant en valeur le travail d’étudiants terminant leur maîtrise en Studio Arts et au doctorat en Humanities à l’Université Concordia. Cette manifestation est une occasion pour une génération d’artistes en devenir de présenter des œuvres ambitieuses et interdisciplinaires dans le contexte professionnel d’une galerie au profil national et international. Ces étudiants travaillent en collaboration avec l’équipe de la Galerie afin de produire une exposition qui rassemble des œuvres qui ont une dimension critique, innovatrice et expérimentale menant à une réflexion sur les médias et les pratiques artistiques. IGNITION est d’intérêt pour tous les étudiants et leurs enseignants, la communauté artistique et le grand public.
Projets sélectionnés par Marie Martraire, directrice des collections et des programmes spéciaux à KADIST, et Michèle Thériault, directrice
ARTISTES ET ŒUVRES
Issue de la photographie documentaire, ma pratique artistique questionne les documents historiques. Je considère les musées comme des espaces discursifs qui ont recours à l’archéologie et aux récits historiques comme instruments de domination ou de profit plutôt que de savoir. Je m’approprie ces instruments dans le but de réagir aux absences et aux lacunes qui marquent les archives. En imaginant des récits de remplacement, je détourne la mission historiographique du musée et je rends ce pouvoir à ceux et celles d’entre nous à qui on l’a refusée.
ŒUVRES
Shibboleth
Insert I, 2021
41,91 x 33,65 cm
Insert II, 2022
41,91 x 33,65 cm
Hotel, 2022
111,76 x 139,7 cm
Back I, 2022
111,76 x 111,76 cm
Chest II, 2022
111,76 x 111,76 cm
Achilles, 2022
152,4 x 203,2 cm
Épreuves à jet d’encre sur papier d’archive
Avec l’aimable concours de l’artiste
Shibboleth réagit à l’absence des corps sexuellement dissidents dans les archives institutionnelles. De même que les pratiques sexuelles non normatives sont réprimées, leurs traces historiques sont supprimées et effacées. Dans ces circonstances, les récits de l’histoire queer ne sont possibles que par conjecture. Au moyen de la photographie et de l’impression 3D, je produis de nouveaux artefacts archéologiques en retravaillant des autoportraits nus typiques ainsi que des objets muséaux existants. Ces nouveaux objets brouillent les limites entre l’historique, le contemporain, l’extraordinaire et le banal.
EXPLOREZ
Comment Barbáchano travaille-t-il avec des fragments d’objets et des vues partielles de corps? Quelles questions soulève-t-il sur le concept d’« intégrité » ?
Les autoportraits que Barbáchano utilise sont nécessairement secrets et anonymes. Comment cet anonymat se transforme-t-il lorsque ces photos sont présentées à la vue du public comme des objets muséaux ?
POUR DE PLUS AMPLES RENSEIGNEMENTS
FermerJe suis née sur les territoires non cédés des peuples xʷməθkwəy̓əm, Skwxwú7mesh, Stó:lō et Səl̓ílwətaʔ/Selilwitulh, connus sous le nom colonial de Vancouver. En tant que Chinoise d’origine hongkongaise née au Canada, ma pratique interdisciplinaire basée sur la recherche joue avec les relations interdépendantes entre les objets, les lieux et l’identité dans le but de traverser les discours du transnationalisme, de la migration et de la diaspora. Mes recherches trouvent leur forme dans des installations, des sculptures, des performances, des textes, des explorations sonores, des photographies et des vidéos, de même que dans des accumulations de matériaux éphémères qui attirent l’attention sur des objets souvent négligés.
ŒUVRES
The Montréal Peanut Butter Dumpling Adventure, 2020 –
The Alberta Ginger Beef Rumble, 2020 –
De la série Soba’s Corner: A Chinese-Canadian Cooking Show
Vidéos avec sous-titres anglais (Canada), sous-titres codés (C),
Recettes, transcriptions, performances et menu à emporter. Vidéos : 10 min 10 s; 10 min 57 s; performance : 3 + heures
Avec l’aimable concours de l’artiste
Soba’s Corner déballe différents mets de la cuisine sino-canadienne d’un certain nombre de provinces. Dans une publication sur YouTube sous les apparences d’une émission de cuisine typique, une conversation différente et un autre récit sont dissimulés dans les sous-titres en anglais canadien et dans la « recette » qui s’y rattache dans la case de description.
L’alimentation, tout comme l’art, est loin d’être neutre. En considérant les pratiques alimentaires comme des fenêtres à travers lesquelles étudier les perceptions de la tradition et de l’authenticité, j’amène les spectateurs et les spectatrices au cœur du familier pour les confronter aux récits déstabilisants incorporés dans le quotidien.
EXPLOREZ
Cheung travaille aussi sous le nom de Snack Witch. Comment pensez-vous que le grignotage — le grignotage paresseux ou distrait, les dégustations provisoires, les collations entre les repas — peut constituer la base d’une nouvelle méthode de recherche ?
Alors que les blogueurs et blogueuses du domaine alimentaire ont recours à de longs récits ou à des vidéos substantielles pour accroître leur cote d’écoute, les œuvres de Cheung étendent leur contenu afin de multiplier les angles d’analyse. Comparez les différents textes et les diverses voix qui interviennent dans les œuvres de Cheung. Quel point est soulevé par chacun d’eux ou chacune d’elles ?
POUR DE PLUS AMPLES RENSEIGNEMENTS
FermerMa pratique m’amène à travailler avec des objets trouvés dans notre environnement. En produisant des variations dans leur agencement, je tente de leur conférer de nouvelles significations. L’ordre et le chaos qui déterminent les assemblages des objets couramment utilisés aident à révéler leurs caractéristiques esthétiques inhérentes. J’élargis actuellement ma pratique à la vidéo en combinant une écriture personnelle et des séquences filmées pour explorer les subtiles nuances de mon expérience de la migration.
ŒUVRES
my name is yours, 2021
Vidéo HD iPhone, trépied mobile et support métallique
4 min 6 s; 58 x 38 x 28 cm
growing hook, 2021-
Objets sélectionnés, lumière DEL
Dimensions variées
my english is not good enough/mon anglais n’est pas assez bon, 2021
Aluminium, métal, texte imprimé sur tissu, lumière DEL
130 x 50 x 50 cm
as if nothing happened, 2022
Vidéo HD monobande, couleur, son
11 min 8 s
Avec l’aimable concours de l’artiste
Ces œuvres racontent mon expérience personnelle en tant que migrant qui observe cette ville inconnue. Je mets l’accent sur le temps de transition et la dynamique subtile du pouvoir qui se révèle, dans le contexte actuel, dans mon langage d’étranger faisant partie d’une minorité asiatique. Dans mes œuvres, je fais allusion à la façon dont un individu fait face aux préjugés inhérents au processus de négociation de l’état migratoire quotidien.
EXPLOREZ
Dans Mynameisyours, la séquence d’un building en désuétude est associée à ce bref commentaire : « Je trouve rarement l’équilibre. » Regardant l’œuvre de Jin, pensez aux caractéristiques de l’équilibre émotif et psychologique comparées à l’équilibre physique en jeu dans ses sculptures.
Dans my english is not good enough/mon anglais n’est pas assez bon, Jin utilise une enseigne de magasin répandue en Corée du Sud pour afficher un énoncé quotidien ici à Montréal. Pensez aux différents référents et à la composition de la communication qui agissent ici.
POUR DE PLUS AMPLES RENSEIGNEMENTS
FermerCinéaste et artiste visuel, je vis et travaille à Tiohtià:ke/Mooniyang/Montréal. J’ai traversé plusieurs crises d’identité au cours de ma vie et ma pratique a constitué un mode de réflexion afin de trouver un sentiment d’appartenance à ce monde à travers le regard critique des idées et pratiques post-/dé-coloniales. J’explore dans mon travail des stratégies visuelles digergentes qui étudient les questions de l’identité, de la migration et du foyer en me penchant sur les thèmes de la mémoire et de la remémoration.
ŒUVRES
Truth-Production 24 Seconds A Time (And Every Cut Is A Fun Fact)
Lumière Actualités (Indochina) #1, 2022
Lumière Actualités (Indochina) #2, 2022
Lumière Actualités (Indochina) #3, 2022
Installation vidéo : 5 h 36 min 48 s; 5 h 37 min 36 s; 5 h 32 min 48 s
Avec l’aimable concours de l’artiste
Truth-Production 24 Seconds A Time (And Every Cut Is A Fun Fact) est le titre d’une série en cours qui allonge la durée des films en projetant chaque image pendant vingt-quatre secondes. Ayant recours à des films tournés par les Frères Lumière en Indochine, et en donnant une version déformée et littérale des déclarations de Jean-Luc Godard à l’effet que « Le cinéma, c’est vingt-quatre fois la vérité par seconde » et « Chaque coupe est un mensonge », je souhaite montrer comment le cinéma a contribué à la production d’un temps rationalisé et a effacé les temporalités culturelles non occidentales à travers un regard colonial.
EXPLOREZ
En plus du mouvement des films, quoi d’autre a été interrompu ou retardé ? Qu’est-ce qui survient pour vous lorsque non seulement les films, mais votre propre vision et votre pensée sont ralentis et désynchronisés ?
Qu’est-ce qui est en jeu dans le fait d’approcher les films comme des formes visuelles, historiques et politiques de témoignage ? Comment ces objets filmiques sont-ils structurés par les idées coloniales ? Et quelles sont les caractéristiques qui définissent ce point de vue ?
POUR DE PLUS AMPLES RENSEIGNEMENTS
FermerMon travail récent étudie les relations de pouvoir à travers les thèmes du travail et du capital, et à travers les marqueurs d’identité. Il examine aussi comment ces relations de pouvoir régulent les interactions avec les structures sociales. Il en va de même pour la figure de l’« expert » et la façon dont le savoir specialisé ou professionnel est produit et mis en circulation. Préférant travailler dans le provisoire, je crée des sculptures et des installations en utilisant des textiles tissés à la main et des éléments détournés de l’environnement bâti. Je repense la disponibilité de matériaux communs dans le but de questionner la signification de leur ubiquité.
ŒUVRES
Pets, 2021
Textiles tissés à la main, couverture d’urgence en mylar, ficelle de nylon, fil, paillis et objets trouvés
245 x 305 x 153 cm
Avec l’aimable concours de l’artiste
Dans Pets, je me penche sur les sombres interactions entre le pouvoir, le contrôle et le soin tels qu’on les retrouve dans les relations entre les citoyens et les gouvernements, les humains et la nature, et de personne à personne. Dans cette œuvre, j’utilise l’acte d’envelopper que l’on peut interpréter à la fois comme réconfort et menace. J’examine comment les corps sont régulés ou façonnés pour répondre aux normes de la productivité, du genre et de la moralité de façon à pouvoir bénéficier des services sociaux, du respect, des droits ou du soi-disant « soin » sous diverses formes.
EXPLOREZ
Comment la notion de possession en tant que propriété privée rend-elle confuses les limites entre soin et contention ?
Examinez les différentes matières que Kunitzky utilise pour envelopper ses « animaux de compagnie ». Quelles associations vous suggèrent-elles ?
POUR DE PLUS AMPLES RENSEIGNEMENTS
FermerAlors que mon corps et l’environnement ne cessent de s’altérer, j’étudie et je flotte entre les états internes et externes du corps. À travers la fabrication de courtepointes, le patchwork et la broderie, je conserve et travestis mes souvenirs. Je me construis un folklore personnel à travers le temps en laissant les images de mon subconscient — des souvenirs romancés et altérés — se développer en un récit sans fin.
ŒUVRES
Myside, 2021
Tissu trouvé, coton imprimé par teinture réactive, fil de laine, molleton de coton
38 x 46 cm
Collection particulière
Fruitless, 2021
Coton imprimé par teinture réactive, ruban biais, molleton de coton, fil de soie
83 x 167 cm
Yes and No, 2021
Coton imprimé par teinture réactive, coton et soie teints à la main, tissus trouvés, molleton de coton
86 x 233 cm
Flower of No Tomorrow, 2021
Coton teint à la main, encre acrylique, encre de sérigraphie, fil de soie et de coton
39 x 167 cm
Avec l’aimable concours de l’artiste
Cet ensemble d’œuvres traite de divers états de transformation et de l’inquiétude, de l’incertitude et de la croissance qui accompagnent les transformations mentales et physiques. Dans mes créations textiles, je combine des esquisses rapides, des souvenirs retrouvés et une écriture automatique qui capte des moments de transition. Ces textiles sont faits pour être touchés et modifiés, car ils sont malléables comme les mots, les corps et les souvenirs.
EXPLOREZ
Imaginez-vous étendu·e sur Yes and No ou recouvert·e par une autre courtepointe. Comment l’objectif de Rennie d’envoûter le spectateur ou la spectatrice peut-il fonctionner si votre corps entier est impliqué ?
Comme si vous lisiez dans la paume d’une main, choisissez une des lignes fluides dans une des courtepointes de Rennie et suivez-la. Où ces mailles vous mènent-elles ? Quels mots rencontrent-elles ? Quelles couleurs les recouvrent ? Quelles formes traversent-elles? Quels motifs apparaissent ?
POUR DE PLUS AMPLES RENSEIGNEMENTS
FermerMes installations incluent le dessin, l’image mobile et le texte. Je les considère comme des ensembles d’objets qui refusent de se plier aux évaluations implacables des institutions. Dans ma pratique, je suis engagé dans la critique de la blanchité et je cherche à déstabiliser la catégorie de marge centrale invoquée dans les rencontres entre les artistes racisés et les institutions — ces affrontements réifient souvent la blanchité même en la niant. Par l’improvisation, je repense la place de la négation au cœur de la critique afin de produire d’autres façons d’arriver à la connaissance.
ŒUVRES
Hiring, 2022
Impression numérique sur vinyle adhésif
1350 cm x 400 cm
sufficiently polyvocal, 2021
Crayon à la mine de plomb sur le papier
29 cm x 21 cm
beyond beyond, 2022
Crayon à la mine de plomb sur le papier
42 cm x 29 cm
Trypophobia, 2018
Crayon à la mine de plomb sur le papier, stuc
12 cm x 12 cm
Mes œuvres sufficiently polyvocal et Hiring traduisent mon obsession par ces mots : « We’re Hiring » (Nous engageons). Deux mots qui, de plus en plus, sont devenus des sirènes pour proclamer de nouveaux rôles pour les candidat·e·s racisé·e·s dans les institutions culturelles et les universités. Engagé dans la violence des structures — j’ai éprouvé, ces dernières années, une inquiétude aiguë à propos de ce qui a été obtenu et de comment notre récit est refaçonné. La perte de l’apostrophe (We’re Hiring devient Were Hiring, c’est-à-dire « Nous engagions ») indique la fin de l’embauche, cela est inévitable. Je propose l’idée que c’est dans la fin que le changement régénérateur commence.
EXPLOREZ
Comment Sandhu utilise l’architecture de la façade de la Galerie. Est-ce que le mur constitue une sollicitation ? Une barrière ? Un écran ? Un panneau publicitaire ? De quelles façons l’identité, la représentation et l’inclusion sont-elles utilisées par les institutions pour servir leurs intérêts et comme formes de pouvoir ?
Comparez Hiring à sufficiently polyvocal. Comment les couches sonores et simultanées du dessin se tiennent-elles debout face à la voix monolithique du papier peint? En tant que spectateur ou spectatrice, pouvez-vous aussi participer à l’improvisation que recherche Sandhu dans sa pratique ?
POUR DE PLUS AMPLES RENSEIGNEMENTS
FermerEn tant qu’artiste de la performance queer, non binaire, j’étudie les transformations internes de l’art de la performance de longue durée ainsi que leurs relations aux identités non binaires et transgenres. Je m’intéresse à la création d’un langage accessible à partir duquel des discours portant sur les connexions entre ces transformations et ces identités puissent émerger. Je crois que la résistance queer se crée dans l’action performative et le changement incorporé, émotif et ressenti.
ŒUVRES
Queer Time Embodiment, November 20th, 2021
Action performative en direct : vidéo, couleur, son, 32 min19 s
Avec la participation d’Anna Valeska Pohl, Holly Timpener, Vera Yun Lee, Yuki Kobayashi et Cherry Wood
Queer Time Embodiment, Artist Reflection, November 20th, 2021
Impressions numériques
Avec l’aimable concours d’Anna Valeska Pohl, Holly Timpener, Vera Yun Lee, Yuki Kobayashi et Cherry Wood
Le 20 novembre 2021, à 20 h (heure de l’Est), quatre collaborateurs·trices et moi avons performé dans différents lieux afin d’étudier comment le temps queer incarné peut provoquer un changement affectif global. En opposition aux valeurs familiales normatives, à la productivité capitaliste et à la linéarité historique, le temps queer trouve sa forme dans l’urgence, le risque et les possibilités du présent. Comment nous, camarades queer, sommes-nous sensibles au temps et à l’espace ? Comment pouvons-nous utiliser cet éveil pour une résistance commune dans le but de susciter un avenir queer ?
EXPLOREZ
En lisant les réflexions des artistes, pensez aux différentes façons dont les réflexions après coup, les remises en cause et les redécouvertes constituent aussi des moyens d’entrer dans le temps queer et de l’entretenir.
Plutôt qu’un ensemble simple d’événements qui contrastent avec le temps normatif, est-ce que tout ceci peut être vu comme l’échantillon d’un temps queer expansif déjà enclenché ? Quelles autres actions inédites du temps queer pouvez-vous imaginer pour entourer et accompagner ces performances ?
POUR DE PLUS AMPLES RENSEIGNEMENTS
www.hollytimpener.wixsite.com/hollytimpener
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