La treizième édition d’IGNITION présente le travail de sept artistes. En tant qu’ensemble, ces œuvres n’ont pas été sélectionnées en vue de répondre à une thématique englobante. L’exposition suscite plutôt un engagement avec des pratiques variées sur les plans performatif, matériel et conceptuel, invitant les visiteurs.teuses à faire leurs propres associations par des gestes expérimentaux qui créent des espaces immersifs, cartographiques, théâtraux et photographiques propices à des rencontres imprévues entre les corps et les environnements virtuels, les objets et la narration, les histoires personnelles et la fiction, la ville et la subjectivité, et plus encore.
Collectivement, les œuvres de chaque artiste se rattachent à des thèmes qui s’entrecroisent. Francisco Gonzalez-Rosas et Zinnia Naqvi interrogent les normes de genre et le colonialisme. L’installation interactive de Boris Dumesnil-Poulin joue avec la performativité de la réalité virtuelle. La préservation des pratiques du patrimoine culturel et les notions d’im/permanence sont au cœur des installations de Annie Katsura Rollins et de Naghmeh Sharifi, et le travail de Marion Lessard et Brett Barmby explore les systèmes d’information et la circulation du capital. Les œuvres résonnent toutes, respectivement, avec les questions et les processus contemporains de l’archivage, de la narrativité et de la documentation.
Commentaire de Shauna Janssen
Produit avec l’appui du Frederick and Mary Kay Lowy Art Education Fund.
Formulé et compilé grâce à l’assistance de Chiara Montpetit (Stagiaire curatoriale, hiver 2017).
IGNITION est une exposition annuelle mettant en valeur le travail d’étudiants terminant leur maîtrise en Studio Arts et au doctorat en Humanities à l’Université Concordia. Cette manifestation est une occasion pour une génération d’artistes en devenir de présenter des oeuvres ambitieuses et interdisciplinaires dans le contexte professionnel d’une galerie au profil national et international. Ces étudiants travaillent en collaboration avec l’équipe de la Galerie afin de produire une exposition qui rassemble des oeuvres qui ont une dimension critique, innovatrice et expérimentale menant à une réflexion sur les médias et les pratiques artistiques. IGNITION est d’intérêt pour tous les étudiants et leurs enseignants, la communauté artistique et le grand public.
Projets pour IGNITION 13 sélectionnés par Shauna Janssen, artiste en résidence au Département de théâtre et arts visuels de l’Université Concordia et commissaire, et Michèle Thériault, directrice de la Galerie Leonard & Bina Ellen.
La pratique et les recherches de Shauna se situent au croisement des disciplines de l’architecture et des études sur la performance, de la théorie spatiale et de l’histoire orale. Son travail émane d’un mélange de discours sur les rapports entre l’art contemporain et l’architecture historique, les théories de la ville et les espaces urbains contestés. Fascinée par l’agentivité historique et culturelle inhérente aux conditions urbaines précaires et tenues pour acquises, elle explore le potentiel de mise en scène et de réponses créatives spatialisées qu’ont les paysages urbains intérimaires. Janssen est une activiste urbaine et commissaire indépendante : à ce titre, elle a fondé Urban Occupations Urbaines (UOU, 2010), une plate-forme de création et de collaboration dans les milieux urbains en transition et en déclin. Elle est artiste en résidence et enseignante aux départements de théâtre et de Studio Arts de l’Université Concordia.
FermerMa pratique découle de mon expérience en tant que coursier à vélo dans des grandes villes canadiennes. Durant ma vaste exploration d’espaces urbains et industriels, j’ai catalogué les variations des multiples contextes banals et sans importance que j’ai croisés. Je m’intéresse à la façon dont la recréation de ces sites au moyen de la peinture, du dessin et de la sculpture peut révéler des liens avec des développements majeurs en histoire de l’art et de l’architecture.
ŒUVRES
Reception, 2016-2017 :
(1130 Sherbrooke Ouest), 2017
(1440 Sainte-Catherine Ouest), 2017
(1000 Sherbrooke Ouest), 2016
(Aberdeen Square), 2017
(625 Sainte-Catherine Ouest), 2017
(1 Place Ville-Marie), 2016
(Place Desjardins), 2017
(1200 McGill College), 2017
(1250 René-Lévesque Ouest), 2016
(1004 Sherbrooke Ouest), 2016
Impressions 3D en plastique
Summer Abroad, 2016
76 impressions numériques à jet d’encre sur papier
Avec l’aimable concours de l’artiste
Summer Abroad est une série de soixante-seize dessins, chacun représentant une journée du travail en tant que messager à Montréal. Contrairement aux parcours sans but d’une dérive, mes trajets d’un bout à l’autre de la ville s’inscrivent directement dans un échange d’information et de capital entre grandes entreprises. La série de maquettes intitulée Reception constitue des représentations en miniature de bureaux de sécurité que l’on retrouve dans les grandes tours à bureaux, leur échelle réduite soulignant leur design inquiétant et presque totalitaire.
EXPLOREZ
- Comment le fait de cartographier des parcours de livraison schématise la circulation des marchandises et de l’information ;
- La typologie de l’aire de réception : comment l’échelle des modèles rend possible l’étude du pouvoir, de la fortification et de la surveillance en jeu dans l’architecture d’entreprise.
POUR DE PLUS AMPLES RENSEIGNEMENTS
“Corporate Curation Summation.” Bartelby Review 36 (juin 2015).
Dumas, Nicole. “Graffiti Buff.” Vandocument. 15 février 2015. <http://vandocument.com/2015/02/graffiti-buff/>
Hendrick, Adam. “7343 Brett Barmby @ Avenue.” Les Artefact. 25 janvier 2015. <http://www.lesartefact.com/lesartefact/7343-brett-barmby-avenue-december-4-2014>
FermerBoris se spécialise dans les entreprises futiles. L’esprit aventurier, il vit pour les gestes audacieux qui abritent les rêves de demain. Il jongle avec le mystère et l’humour pour parler de choses très sérieuses, pour se glisser entre le réel et l’imaginaire. Son travail traite de téléportation et d’espaces fictifs. Pour lui, l’art est un cadeau, un supplément d’idées et de formes que les êtres vivants peuvent partager.
ŒUVRE
No Man is an Island, 2017
Dispositif de téléportation et fiction-performance à épisodes
Projection vidéo, son, caméra, logiciel, écran vert, costumes et accessoires
L’installation est activée par l’artiste du 19 avril au 12 mai, du mercredi au vendredi, à partir de 13 h
Avec l’aimable concours de l’artiste
Avec No Man Is an Island, île virtuelle dans un dispositif cinématographique, je déploie un sens étrange et synthétique de l’engagement au moyen du récit et des jeux de rôles. L’aspect ouvert de l’œuvre est une invitation à la participation. Au fur et à mesure que la pièce évolue, les spectateurs et moi devenons incarnés dans la politique de la performance d’une fiction absurde et d’évasion, plongeant vers un point de fuite qui permet notre retrait par rapport à tout le reste.
No Man Is an Island (traduire comme «Nul homme n’est une île») est un célèbre vers tiré de Méditation XVII par le poète anglais John Donne dans sa Dévotions en temps de crise publié en 1624 :
Nul homme n’est une île
Nul homme n’est une île, complète en elle-même; chaque homme est un morceau du continent, une part de l’ensemble; si un bout de terre est emporté par la mer, l’Europe en est amoindrie, comme si un promontoire l’était, comme si le manoir de tes amis ou le tien l’était. La mort de chaque homme me diminue, car je suis impliqué dans l’humanité. N’envoie donc jamais demander pour qui la cloche sonne: elle sonne pour toi.
John Donne. Dévotions – Méditation XVII. Traduction de Franck Lemonde, Payot, 2002, p. 71-72.
EXPLOREZ
- Le rôle de l’artiste en tant que créateur et explorateur à l’intérieur de son propre récit et de son environnement virtuel ;
- Comment, en visitant la galerie, vous êtes invités à projeter vos propres fantaisies et à contribuer à la planification d’une évasion vers un monde utopique.
POUR DE PLUS AMPLES RENSEIGNEMENTS
FermerAu moyen de la vidéo, du son et de la performance, j’explore des questions de genre, d’ethnicité et de sexualité en lien avec la technologie et les médias numériques. Ce travail vient de ma propre expérience : de mes interactions, affections, présentations et re-présentations. C’est à travers ma subjectivité raciale et sexuelle que j’entre en relation avec l’environnement sociopolitique macro.
ŒUVRE
Audiovisual Jungle: Latino Bodies & Exportation Fruit, 2017
Installation vidéo multi canaux, couleur, son, en boucle
Projection vidéo : 8 min 08 s
Écrans ACL : 5 min 23 s ; 5 min 40 s ; 9 min 02 s ; 8 min 27 s ; 4 min 56 s ; 7 min 34 s ; 5 min 16 s ; 3 min 33 s
Avec l’aimable concours de l’artiste
Audiovisual Jungle est un environnement immersif qui allie des séances d’égoportrait de Latinos avec des publicités pour des exportations de fruits chiliens, des sons d’appareils de télécommunication, des échantillons de musique électronique et des captures d’écran de Google Earth. Par ce stimulus audiovisuel, je vise à exposer la tension entre la présence globalisée de fruits, d’une part, et les corps latinos, d’autre part, ces derniers étant l’objet à la fois d’une « exotisation » pour la consommation blanche sur les applications de rencontre et d’une exclusion sociale et politique dans le contexte nord-américain.
EXPLOREZ
- Le double standard projeté sur les corps latino-américains : visibles quand ils sont objectivés comme étant sexuellement disponibles, et invisibles quand ils sont utilisés comme main-d’œuvre à bon marché nécessaire, par ailleurs, au fonctionnement de l’économie néolibérale ;
- Comment la technologie mobile est employée comme un cadre à l’intérieur duquel les stéréotypes de race, de genre et de sexualité sont juxtaposés avec ceux de la circulation globale de produits agricoles.
POUR DE PLUS AMPLES RENSEIGNEMENTS
FermerMarion Lessard est un collectif d’artistes composé de Claude Romain, Élisabeth M. Larouine, Jean-Nicolas Léonard, Alice Roussel et Marie Cherbat-Schiller, dont la pratique en littérature, dessin, vidéo, performance, non-intervention et paradoxes s’articule autour d’un axe, poursuit des buts, joue avec des codes et soulève des questions.
ŒUVRES
Cartographie de l’essence odonymique de Parc-Extension, 2016
Rue Jarry, 2016
Rue Hutchison, 2016
Rue Saint-Roch, 2016
Rue de Liège, 2016
Crayon sur papier d’archive, textes sur papier et lettrage en vinyle
Avec l’aimable concours de l’artiste
Avec cette série de dessins et de textes, Marion Lessard réinvente l’histoire et l’imaginaire odonymiques du quartier de Parc-Extension, sous la forme d’une cartographie heuristique dont les éléments et la structure apparaissent tout à la fois illogiques et inexplicablement sensés. L’irruption de fiction et d’impropriétés dans les modèles scientifiquement connotés de la carte et du diagramme rend manifeste l’épaisseur humaine, subjective et poétique de l’expérience d’un territoire, tout en attirant l’attention sur la nécessité du rôle actif du lecteur-spectateur dans la discrimination d’informations véhiculées par des formes revêtant toutes les apparences de l’objectivité.
EXPLOREZ
- Comment les associations entre des noms propres engendrent des dérapages poétiques et sémantiques qui révèlent des éléments cachés et des espaces possibles dans l’espace cartographié de la ville ;
- Le décodage du langage référentiel de l’artiste par le biais de textes bilingues mais non équivalents.
POUR DE PLUS AMPLES RENSEIGNEMENTS
FermerMon travail repose sur une pratique documentaire dans laquelle je combine photographie, vidéo, séquences d’archives et installation. C’est à travers cette gamme de médiums que je tente de questionner la relation entre l’authenticité et le récit, tout en considérant des thèmes plus vastes tels le post-colonialisme, la traduction culturelle, le langage et le genre.
ŒUVRES
Dear Nani, 2017
Épreuves numériques à jet d’encre, épreuves gélatino-argentiques, épreuves numériques sur vinyle adhésif, lettrage en vinyle, étagère en bois et livre
De gauche à droite :
Nani in Garden, 2017
Épreuve numérique à jet d’encre
Nani with Wall (1), 1948
Épreuve gélatino-argentique
Nani with Wall (2), 1948
Épreuve gélatino-argentique
Nani in White Shirwani (1), 2017
Épreuve numérique à jet d’encre
Nani in White Shirwani (2), 2017
Épreuve numérique à jet d’encre
Legs (self-portrait as mystery child), 2017
Épreuve numérique sur vinyle adhésif
Nani with Jinnah Hat, 2017
Épreuve numérique à jet d’encre
Nani in Safari Hat, 2017
Épreuve numérique à jet d’encre
Children’s Dictionary, Volume 1. The Standard Literature Co. Ltd., Edited by Harold Wheeler. Vers 1930
Self-portrait as Nani, 2017
Épreuve numérique sur vinyle adhésif
Nani with Mustache, 2017
Épreuve numérique à jet d’encre
Nani Portrait, 1952
Épreuve gélatino-argentique
Nana Portrait, 1952
Épreuve gélatino-argentique
Avec l’aimable concours de l’artiste
Dear Nani est un projet qui utilise des photos de famille trouvées démontrant un jeu de genre entre un mari et une femme en 1948, dans un Pakistan nouvellement fondé. En présentant ces images et le récit qui les accompagne, je souhaite confronter les lectures façonnées par un regard féministe et colonialiste occidental. Si ces photos occupent un moment spécifique de l’histoire, de la culture et de la société dans lesquelles elles ont été créées, elles témoignent aussi d’un écart entre différentes générations d’une même famille.
EXPLOREZ
- Le rôle de la fiction : comment, en étudiant des photographies de famille qui ne peuvent pas répondre à toutes les questions qu’elle se pose, Naqvi scénarise une conversation entre elle et sa grand-mère ;
- L’acte de réinterprétation : comment, en se photographiant, l’artiste enquête sur sa propre position en tant que sujet, se situant à l’intérieur, et examinant les mêmes méthodes postcoloniales et féministes qu’elle mobilise quand elle regarde des photos de sa grand-mère.
POUR DE PLUS AMPLES RENSEIGNEMENTS
Konadu, Luther. « A Conversation with Zinnia Naqvi. » This is Public Parking, 15 décembre 2016. <http://www.thisispublicparking.com/single-post/2016/12/13/A-Conversation-with-Zinnia-Naqvi>
Vashist, Indu. « Family Photo Album. » Art Asia Pacific 95 (septembre 2015).
FermerDurant les neuf dernières années, j’ai dédié ma vie artistique et académique à la pratique et à la recherche sur le théâtre d’ombres traditionnel chinois et son utilité en mutation, d’une tradition de performance populaire datant de 1500 ans à une relique d’archives. Mon travail artistique est une expression de la question centrale de ma recherche : que reste-t-il quand une forme vivante de performance est préservée ?
ŒUVRES
Immaterial Remains, 2017
Shadow Ghost Box 1, 2017
Bois, tissu et cuir
Vidéo : 22 s
Pouvons-nous archiver une ombre ?
Shadow Ghost Box 2, 2017
Bois, verre, papier et aquarelle
La conservation est-elle la disparition ou la perpétuité ?
Shadow Ghost Box 3, 2017
Bois, verre, papier et aquarelle
Les ombres sont-elles des traces ou les traces sont-elles des ombres ?
Shadow Ghost Box 4, 2017
Bois, verre, papier et aquarelle
Le fantôme d’une ombre est-il tout ce qui peut rester ?
Avec l’aimable concours de l’artiste
Alors que la pratique du théâtre d’ombres chinoises s’étiole, les marionnettes périssent par milliers : négligées jusqu’au délabrement, pendues, incomprises ou maintenues dans un silence permanent au nom de la « préservation ». Ces ombres de corps statiques seront bientôt les dernières traces qui survivent de ces prestations vivantes. Dans Immaterial Remains, je tente de capturer un aperçu de cet avenir fantomatique du théâtre d’ombres chinoises.
EXPLOREZ
- Qu’est-ce qui est révélé et qu’est-ce qui est dissimulé lorsque les boîtes sont éclairées frontalement ou par derrière ? Quand les marionnettes sont-elles perçues comme des artefacts exposés ? Quand leur capacité d’« animisme » est-elle activée ?
- La galerie est un site de préservation. Que signifie la mise en exposition de la tradition ? Celle-ci se trouve-t-elle alors figée dans l’histoire ou l’espace de la galerie ouvre-t-elle de nouvelles possibilités pour cette forme d’art « mourante » ?
POUR DE PLUS AMPLES RENSEIGNEMENTS
Rollins, Annie Katsura. “Ancient Old Things – Annie Katsura Rollins.’’ No More Potlucks 41 (2015). <http://nomorepotlucks.org/site/ancient-old-things-annie-katsura-rollins>
FermerMon travail est axé sur la forme humaine et la psyché. Je place le corps dans des situations ambiguës afin de l’examiner par rapport à lui-même et à son environnement. En expérimentant au moyen de divers médiums, je rêve des différents mondes que j’ai habités. J’invite le spectateur et la spectatrice dans ces non-lieux qui pénètrent les frontières autant qu’elles aident à les construire.
ŒUVRES
Peuple dilué, 2016-2017
10 encres et aquarelles sur papier
Avec l’aimable concours de l’artiste
Avec Peuple dilué, j’explore les identités éphémères, celles qui sont fluides et qui proviennent de l’impermanence. Inspiré à l’origine par les populations roms de la région Choutka en Macédoine, j’examine la notion de peuple en regard de celle de nation. Allant au-delà de la spécificité régionale, je considère le corps comme une forme universelle en suspension dans un contexte dénué de profondeur et de dimension.
EXPLOREZ
- Les différentes interprétations de la dilution : la dilution comme propriété de l’encre, comme façon de décrire le mélange et la transformation des propriétés, comme déclaration dénigrante, ou comme affaiblissement de la pureté ;
- Les façons de représenter les communautés et individus en mutation.
POUR DE PLUS AMPLES RENSEIGNEMENTS
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