Rebecca Duclos et David K. Ross sont engagés depuis 1998 dans une pratique in situ multidisciplinaire, orientée vers la recherche. Leur travail est en premier lieu caractérisé par l’exploration des aspects réels et métaphoriques de l’entreposage, la réalisation d’espaces sociaux et fabriqués et l’inscription/l’invention d’histoires, tant écrites qu’illustrées. Leurs intérêts collectifs et individuels les ont amenés notamment à œuvrer sur des propositions architecturales, des projets en photographie, en vidéo numérique et en écriture critique. Selon Duclos et Ross, tous les éléments de leurs projets – de la recherche pure à la remise en valeur de matériaux trouvés et d’histoires oubliées, en passant par des collaborations avec d’autres artistes, étudiants et concepteurs – sont essentiels à leur travail. Rebecca Duclos et David K. Ross sont établis à Montréal

Pour ce projet d’exposition fondé sur les collections de la Galerie Leonard & Bina Ellen, l’expression As much as possible given the time and space allotted est à la fois un titre et un ensemble de directives, une description du projet et une consigne muséologique, un cadre d’action et un ensemble de règles. La prémisse simple du projet constitue à sortir méthodiquement autant d’œuvres que possible des réserves de la Galerie sur une période de six semaines, et de les installer dans les aires d’exposition de cette dernière. Lorsque l’espace d’exposition sera saturé, et que la moindre partie de tous les murs et sols sera occupée, l’exposition se « reposera » pendant deux jours. Après cette période, les œuvres seront successivement retournées à l’emplacement qu’elles occupent dans les réserves, laissant la Galerie revenir à son état de « nudité » initial, ce qui marquera la fin du projet.

La Galerie étant ouverte au public durant toute la période où les œuvres sont installées, As much as possible… se révèle donc une occasion de conférer aux activités d’installation d’œuvres d’art et de gestion de collection, habituellement cachées, un statut d’événement public. Le public sera invité à voir et à revoir l’exposition quotidiennement ou chaque semaine pour en mesurer l’évolution en fonction de chaque nouvel ajout — puis de chaque retrait subséquent — d’œuvres d’art.

Ainsi, As much as possible… ne se réfère pas seulement à une histoire antérieure du conceptualisme, mais également à un héritage de pratiques basées sur la performance qui bâtissent un ensemble d’« actions » à interpréter comme l’activité primordiale de la création artistique. Travaillant de concert, Duclos et Ross proposent un projet hybride qui fait appel à ces positions « anti-institutionnelles » post-années 1960 et les adapte dans un scénario résolument institutionnel, créant une critique de la pratique d’organisation d’expositions qui met l’accent sur l’importance des modèles artistiques par rapport aux modèles muséologiques, de l’action du hasard par rapport à la prise de décision que constitue la sélection, de la dynamique de la durée par rapport à l’immobilisme, du pouvoir de la juxtaposition comme forme d’interprétation, et du fait de privilégier le processus sur la provenance.

Le projet bouscule les conventions traditionnelles de l’engagement muséologique en matière de collection permanente (conventions qui tendent à élever la recherche érudite dirigée du conservateur au rang de source d’un discours distinct à travers lequel les œuvres de l’exposition doivent être comprises); As much as possible… permet en ce sens d’ouvrir de nouvelles voies d’investigation.

La première est la possibilité pour la collection de « s’auto-organiser » par un système d’exposition aléatoire et successif qui — même s’il est initié par Duclos, Ross et le personnel de la galerie — s’avère en fin de compte imprévisible en termes de juxtapositions, de confluences et de résonances créées entre et parmi des œuvres présentées dans une telle promiscuité. La seconde est la substitution à un spectacle de coulisses sans public d’un véritable « spectacle » — un projet d’essence événementielle où l’on sort lentement et quotidiennement les œuvres des réserves, œuvres qui sont manipulées par le personnel de la Galerie et installées à la vue du public.

Dans la dimension à la fois publique et performative du projet, on trouve une autre affinité, peut-être inattendue, avec l’espace architectural dans lequel la Galerie elle-même s’insère. Répondant à la dynamique qui prévaut dans le pavillon de la bibliothèque J.-W.-McConnell de Concordia, dont les passages publics et les espaces commerciaux sont situés juste aux portes de la Galerie, As much as possible… fait de l’espace d’exposition une enceinte aussi animée, avec un va-et-vient constant du personnel ajoutant de nouvelles œuvres aux murs de la Galerie (puis en retirant) chaque jour, tous les jours, tout au long des six semaines que dure l’exposition. Incapable d’imiter entièrement l’effervescence de l’atrium qui la jouxte, la Galerie Ellen met nécessairement en place sa propre « économie des échanges », alors que des objets entreposés deviennent des œuvres d’art exposées, ce qui augmente leur « valeur » visible à travers un processus actif de mise en espace.

Enfin, la trajectoire dynamique et l’intensité de certaines tâches de conservation et de préparation sont redirigées à l’intérieur du projet alors que les procédures d’exposition normales sont étendues dans le temps et l’espace (en fonction de ce qui leur est imparti). Toute l’entreprise muséologique s’expose et peut être observée comme un film en temps réel ou vécue comme un événement excessivement prolongé¹. Le projet permet donc au personnel de la Galerie de remplacer la vitesse, la tension et l’invisibilité des périodes d’accrochage et de décrochage par un engagement avec la collection qui est plus « évolutif » et potentiellement réflectif tout au long de la durée de l’exposition. En adoptant le rythme ralenti des postures d’étude minutieuse et de comparaison prudente qualifiées de « savantes » et en l’adaptant aux pratiques quotidiennes qu’il vit à l’intérieur de l’espace de la Galerie au fil du temps, le personnel « imite » sans le vouloir pour les visiteurs des aspects d’une approche muséologique de l’accumulation d’une collection et de son interprétation, la plupart du temps cachés.

Rebecca Duclos and David K. Ross

¹ On peut trouver certains points de comparaison avec Sleep de Warhol ou 9 Beet Stretch de Leif Inge, par exemple.

La collection de la galerie Leonard & Bina Ellen de l’Université Concordia comprend environ 1 700 œuvres. Une partie de ces œuvres est exposée en tout temps dans les nombreux bâtiments de l’Université. En 2009 plus de soixante de ces pièces dispersées ont été photographiées in situ. Pour satisfaire aux visées du projet qui sont de présenter autant d’œuvres que possible, ces images jouent le rôle de mandataires pour les œuvres d’art qui n’étaient pas physiquement présentes dans la réserve au moment de l’exposition.