Les projets curatoriaux de Zoë Chan couvrent une grande variété de sujets, dont le documentaire collaboratif, le conte, la jeunesse, l’alimentation et l’identité diasporique. Commissaire à la Richmond Art Gallery depuis 2022, elle a organisé des expositions pour des institutions partout au Canada, notamment le Musée des beaux-arts de Vancouver, la Galerie d’art de Kamloops, Trinity Square Video à Toronto; Optica à Montréal, la Galerie d’art de MSVU à Halifax et au MAI (Montréal, arts interculturels).

Artwork Becomes Dinner Party, 2023
[Une œuvre d’art se transforme en dîner]
Bois, filament ABS, métal
Dimensions variées
Avec l’aimable concours de l’artiste et de Unit 17, Vancouver

Red and Yellow Shelf with Belvedere Lath, 2015/2020/2024
[Étagère rouge et jaune avec lattes du Belvedere]
Tasses à café à emporter de 35 cl, 12 soucoupes à thé turc, orchidée imprimée en 3D (fleurs blanches) rescapée d’une ruelle, pot de colchicine imprimé en 3D, poireau cultivé chez soi imprimé en 3D, oncidium imprimée en 3D, vaisselle imprimé en 3D, vinaigre de cidre, pommes déshydratées au Polygon, cendrier de Serdar, perles trouvées dans le jardin, haricots avec des taches en forme de pois causées par des insectes, cire d’abeille avec des dahlias séchés, emballage de crackers Big Boy, pâte à modeler Play-Doh noire, pot en verre soufflé, fleurs de bourrache, bouteille trouvée dans la mer Adriatique, supports, boulgour, cendres d’œuvres d’art anciennes brûlées, fleurs marinées à l’hydroxyde de calcium, huile de colza, boîte en carton peinte à l’acrylique, graines de carotte, cèdre, biscuit en céramique, ornements en céramique, cafetière turque en céramique, acide citrique, orchidées en argile de Kingphaka, crème épaisse, coriandre, cumin, débris de lattes du Belvedere, cerises à trois tiges déshydratées, barquettes de charcuterie, barquettes de charcuterie avec pigments, pois papillon séchés, fleurs séchées, tiges et feuilles de garance séchées, piments épicés séchés, impression par sublimation thermique, verre, bocal en verre, cigarettes de grand-père, hibiscus, origan du jardin, plomb, graines de poireau et d’oignon, MDF, menus de l’Estradiol Kitchen au Moodswing Bar à New Westminster, en Colombie-Britannique, tasses à mesurer en métal, menthe, thym des montagnes, huile de moutarde, balle de ping-pong oblongue, huile d’olive, fraise en pierre peinte trouvée dans le canapé chez Pale Fire, petits objets en papier pliés issus de l’anxiété, partie d’un pot que j’ai trouvé quelque part, pièces de monnaie utilisées pour fabriquer un lavage de bois bleu, étagère en plâtre pigmenté, relief en plâtre représentant du blé que j’ai cultivé dans la ruelle, fleur de cerisier en plastique avec tige, un morceau de pot trouvé quelque part, des pièces de monnaie utilisées pour fabriquer un vernis bleu pour bois, une étagère en plâtre pigmenté, un relief en plâtre représentant du blé que j’ai cultivé dans la ruelle, une fleur de cerisier en plastique avec sa tige, des pinces à linge en plastique, des lettres en plastique, de la mélasse de grenade, du vinaigre de riz, flocons de piment rouge de la marque Salem, sel, mélange d’herbes pour tisane du studio, mélange à thé # 2 du studio, sumac, ruban adhésif, concentré de tomate, déchets de l’exposition The Neighbour’s Plate, cannelle véritable, roche inconnue # 1, roche inconnue # 2, tabac Virginia Gold que j’ai cultivé en 2014, coques de noix, pinces à linge en bois, zaatar
Dimensions variées
Avec l’aimable concours de l’artiste et de Unit 17, Vancouver

Vessels from Artwork Becomes Dinner Party, 2023
[Vaisselles provenant d’une œuvre d’art se transforme en dîner]
Encre sur papier
121,92 × 121,92 cm
Avec l’aimable concours de l’artiste et de Unit 17, Vancouver

Making a Menu (Moodswing), 2024
[Création d’un menu (Moodswing)]
Toile, impressions par sublimation thermique, papier, encre, épingles, fil et panneau en mousse avec cadre d’artiste en cèdre
76,2 × 86,4 cm
Avec l’aimable concours de l’artiste et de Unit 17, Vancouver

Akay transpose la cuisine familiale dans l’espace de l’exposition. Des assiettes variées par leur matériau, leur taille et leur texture sont empilées jusqu’à ce qu’elles soient activées pour servir des bouchées. À côté se trouvent des traces de l’évolution des pratiques artistique et personnelle de l’artiste à travers des ingrédients (des haricots, des poivrons, de la menthe, etc.), des souvenirs de famille (les cigarettes de son grand-père), ses propres récoltes (de l’origan et du tabac cultivés chez ellui) et des effets personnels (objets trouvés).

Derya Akay (iel, né·e en 1988 en Turquie) est un·e artiste interdisciplinaire et cuisinier·ère. Akay explore la tension entre la conservation et la décomposition, le contrôle et le hasard, les essais et les erreurs. Ses stratégies artistiques, axées sur le processus, intègrent les réalités du temps et de la transformation à travers l’utilisation de matériaux organiques.

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• De quelle manière les thèmes liés au patrimoine (culturel, familial, personnel) sont-ils abordés dans ces œuvres ?
• Comment Akay utilise-t-iel les différentes pratiques alimentaires comme moyen de documentation ?

Bella di Notte: May 22 – Common Poppy, German Chamomile, Common Mugwort, White Garden Snail, Wall Barley, 2023
[Belle de nuit : 22 mai – coquelicot commun, camomille allemande, armoise commune, escargot de jardin blanc, orge des murs]
Nocturnal Botanical Ontario: June 30, Apples with LDD Moth Caterpillars, 2022
[Botanique nocturne de l’Ontario : 30 juin – pommes avec chenilles de la spongieuse]
Nocturnal Botanical Ontario: July 25, Bee balm, Thimble weed, St. John’s Wort, Mallow, Water Iris, 2022
[Botanique nocturne de l’Ontario : 25 juillet – monarde, épilobe, millepertuis, mauve, iris d’eau]
Nocturnal Botanical Ontario: September 21, Burdock, Wild Strawberries, 2021
[Botanique nocturne de l’Ontario : 21 septembre – bardane, fraises sauvages]
Bella di Notte: June 1 – Sambuco, Wax Leaf Ligustrum, 2023
[Belle de nuit : 1er juin – sambuco, troène à feuilles cireuses] Bella di notte, Artichoke #2, 2022
[Belle de nuit, artichaut n°2]
Bella flower, Caper berries & flowers, Common Hedge Parsley, Flax-Leaved Horseweed, 2023
[Belle de nuit : baies de câpres et fleurs, persil sauvage commun, vergerette à feuilles de lin]

Impressions pigmentaires sur papier d’archive
119,38 × 86,36 cm
Avec l’aimable concours de l’artiste et de Stephen Bulger Gallery, Toronto

Dans ces séries, Angelucci met en lumière ce qui passe souvent inaperçu dans l’obscurité. En scrutant la végétation de sa région d’adoption, en Ontario (Canada), et celle de son d’origine, dans les Marches (Italie), ses compositions font ressortir les plantes indigènes et envahissantes, ainsi que les créatures qui les peuplent et s’en nourrissent. À travers ces images, elle médite sur les thèmes de la famille, de la migration, de la vie et de la perte. Elle s’interroge aussi sur la manière dont ses ancêtres ont pu vivre en harmonie avec la terre et sur la façon d’appréhender l’histoire coloniale et la politique des terres sur lesquelles elle réside aujourd’hui.

Sara Angelucci est une artiste basée à Toronto qui travaille dans les domaines de la photographie, de la vidéo et du son. Ses œuvres explorent les photographies et les films vernaculaires, en analysant le contexte d’origine dans lequel ces images ont été réalisées. En attirant l’attention sur les conventions de la création d’images, son travail met en avant le rôle culturel que jouent les images vernaculaires dans la mise en scène d’histoires particulières, la construction de l’histoire et la commémoration.

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• Quels éléments la photographie nocturne met-elle en évidence, qui pourraient autrement passer inaperçus ?
• Observez la variété de plantes représentées. En reconnaissez-vous certaines ? À quoi servent-elles ? Réfléchissez à votre rapport avec la flore de chez vous.

Wine, 2026
[Vin]
Installation performative évolutive, mobilier, pressoir, raisins
Avec l’aimable concours de l’artiste

En transformant la galerie à la fois en atelier et en micro-cave viticole, Baldwin Lew met en lumière la pratique alimentaire, du raisin au vin. Tout au long de l’exposition, ponctuée d’activations menées par l’artiste et des invité·e·s, les raisins de Niagara sont foulés, pressés, fermentés, clarifiés, puis mis en bouteille. En s’appropriant la galerie universitaire pour créer un espace d’activité sociale et biologique, l’artiste remet la relationnalité et l’hospitalité au cœur de sa démarche artistique. Consultez le calendrier des programmes publics pour connaître les activations à venir.

Dean Baldwin Lew (né en 1973) gambade à travers l’installation, la performance et la photographie. Restaurateur de quatrième génération, né à Toronto et basé à Montréal, il aborde les thèmes de l’hospitalité, de la convivialité, de la nature morte performative et des disparités structurelles autour desquelles s’articule notre existence.

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• L’aspect de l’installation évolue au fil du temps. En quoi cette dimension temporelle confère-t-elle un caractère performatif à l’œuvre ?
• La boisson finale est soumise à de nombreuses variables environnementales tout au long des processus de culture, de récolte et de fermentation. Selon vous, quel impact cela a-t-il sur le processus artistique ? Cela se transpose-t-il à d’autres médiums ?

Kitchen Codex, 2021
[Le codex de la cuisine]
Impressions numériques sur textile
177,8 × 116,8 cm et 302,3 × 137,2 cm
Avec l’aimable concours de l’artiste

Depuis 2015, Cruz entretient une pratique d’échange : il reçoit une recette et, en contrepartie, prépare et sert un repas philippin. Dans Kitchen Codex, ces recettes, recueillies au Canada, en Allemagne, au Mexique et en Suède, qu’elles soient tapées à l’ordinateur ou manuscrites, sont imprimées sur de grands tissus servant de nappes. Formant une sorte de livre de cuisine déconstruit et coécrit, le public est invité à prendre place à table et à faire partie de cette communauté culinaire fondée sur l’échange et la réciprocité.

Patrick Cruz est un artiste et un enseignant qui considère la spiritualité, l’improvisation, l’intuition et le jeu comme des outils émancipateurs permettant de remettre en question les idéologies et les cadres coloniaux ancrés dans la pratique artistique. Cruz utilise la méditation, la divination et l’hypnose comme méthodes de recherche pour faire remonter à la surface et récupérer des savoirs cachés.

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• Laquelle de ces recettes suscite chez vous de l’intérêt, de la curiosité, ou vous semble familière ?
• Quelle recette issue de votre famille, de votre culture ou de votre ville natale proposeriez-vous si vous en aviez l’occasion ?

Large Feast on a Bed of Cardboard, 2019
[Grand festin sur un lit de carton]
Peinture animée, 46 s
Avec l’aimable concours de l’artiste et de Gabrielle Campbell

Whale Hunt: I Think Everyone is Here, 2019
[Chasse à la baleine : je crois que tout le monde est ici]
Peinture animée, 56 s
Avec l’aimable concours de l’artiste et de Gabrielle Campbell

« Kyak-Monteith utilise la peinture et l’animation image par image pour capturer l’effervescence et l’énergie d’une baleine hissée à travers la neige jusqu’à une plage glacée, sous les yeux de toute une communauté. Passant aisément du panoramique à l’intime, elle est capable de donner vie aussi bien à une scène grandiose représentant le débarquement et le traitement d’une baleine en plein air qu’à un gros plan montrant des mains aux ongles soignés saisissant de la viande fraîche, découpée en cubes réguliers à l’aide de la lame incurvée de l’ulu, directement sur un morceau de carton posé sur le sol de la cuisine. Rendues dans une palette de couleurs vibrantes par des coups de pinceau rapides et dynamiques, ces scènes soulignent avec force la signification culturelle de cet événement intergénérationnel majeur de subsistance et de récolte des ressources marines pour les Inuit·e·s. » – Zoë Chan

Megan Kyak-Monteith (née en 1997 à Mittimatalik/Pond Inlet) est une artiste émergente résidant à Halifax, en Nouvelle-Écosse. Elle a obtenu en 2019 un baccalauréat en beaux-arts (BFA) avec une spécialisation en études interdisciplinaires, axée sur le dessin et la peinture, à la NSCAD University.

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• En quoi les mouvements ajoutés par la technique de peinture animée influencent-ils l’atmosphère de ces deux scènes ?
• Comment l’artiste aborde-t-elle les cultures alimentaires inuites dans ces œuvres ?

Janchi Guksu (Banquet Noodles), 2016
[Nouilles de banquet]
Vidéo monobande HD, 4 min 18 s
Avec l’aimable concours de l’artiste et de Lux Distribution, Londres

Did You Eat Rice?, 2017
[As-tu mangé du riz ?]
Vidéo monobande HD, 53 min 5 s
Avec l’aimable concours de l’artiste et de Lux Distribution, Londres

À travers ces deux œuvres, Heo explore la préparation et le travail nécessaires à la production des aliments de base d’Asie de l’Est : les nouilles et le riz, tant en cuisine que dans les champs. En portant son regard sur les cultures de la production alimentaire, à la ferme comme à table, Heo met en lumière les liens intimes qui se tissent grâce à ce travail et qui rassemblent les gens. Le montage des gestes – labourer, cueillir, trier, rincer, tamiser et mâcher – sur fond de changement des saisons, ainsi que les festins solitaires ou partagés, invitent à une réflexion sur ce que signifie prendre soin d’une communauté, tant au niveau local que mondial.

Ellie Kyungran Heo est une artiste qui explore la solidarité socio-écologique, les conflits et la coexistence à travers des supports temporels (principalement le cinéma) et des recherches inter- et transdisciplinaires.

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• En quoi le son influence-t-il l’atmosphère de ces deux œuvres ?
• Comment ces vidéos établissent-elles un lien entre le travail, la communauté et la culture ?

A palimpsest for the tongue, 2025 – en cours
[Un palimpseste pour la langue]
Impressions à la chlorophylle de photographies d’archives sur feuilles de bananier et de lotus, lumière DEL, verre
22 × 21 × 5 cm chacune
Avec l’aimable concours de l’artiste

Ici, Nnebe retrace l’histoire de la banane, depuis sa fonction de culture de subsistance pour les communautés marronnes en Jamaïque jusqu’à son statut actuel de denrée dans le commerce mondial. L’œuvre comprend des photographies d’archives développées à la lumière du soleil sur des feuilles de bananier, selon un procédé d’impression à la chlorophylle. Elles représentent des navires et des ouvriers transportant des bananes, ainsi que des références à la United Fruit Company (1899-1970), elle-même issue de la fusion de deux sociétés américaines rivales spécialisées dans le commerce de la banane. L’œuvre souligne le rôle de ce fruit tant dans la vie quotidienne que dans l’empire.

Kosisochukwu Nnebe est une artiste conceptuelle et écrivaine d’origine nigériane. À travers l’installation, la photographie et la sculpture, Nnebe aborde des thèmes allant de la politique de la visibilité noire, de l’incarnation et de la spatialité à l’utilisation des pratiques alimentaires et du langage comme contre-archives des histoires coloniales.

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• La banane est utilisée à la fois comme sujet et comme matériau. En quoi cela met-il en lumière le rôle de l’art en tant que médiateur des savoirs situés ?
• Quels autres exemples d’aliments chargés d’histoire vous viennent en tête ?

One Hundred Blossoms Lanterns, 2005-2007
[Cent lanternes fleuries]
Dragon & Phoenix (Lantern 1), 2005
The Tragedy of You (Lantern 2), 2005
Retreating Mountain (Lantern 4), 2005
Birds, Flowers, and a Lover’s Suicide (Lantern 5), 2005
Shrimp Cracking (Lantern 6), 2007
Eating Bitterness (Lantern 7), 2005
Citrus Wizard and Friends versus Dr. Fu Manchu (Lantern 8), 2007
Haiiee-yaa! Warrior and Cook (Lantern 9), 2005
Treasure Ship to Gold Mountain (Lantern 10), 2007
41,0 x 28 x 28 cm each

Découpes en papier de mûrier faits main, Tyvek, bois, pompons rouges
41 × 28 × 28
Avec l’aimable concours de l’artiste et de la Galerie Hugues Charbonneau, Montréal

« Pour moi, le restaurant sino-canadien ou sino-américain est une métaphore de Cathay ou de l’idée de la Chine en Occident. À travers [mes] installations, je déconstruis et reconstruis le restaurant chinois afin d’examiner quels éléments sont porteurs de sens pour le public et, ainsi, jouent un rôle dans la formation des perceptions occidentales de la Chine et des personnes chinoises. J’utilise certains éléments de la décoration des restaurants qui semblent présents dans presque tous les restaurants sino-canadiens, notamment les lanternes. Les images qui ornent ces lanternes varient et contrastent, allant des motifs chinois traditionnels aux motifs de chinoiserie, en passant par des personnages issus de la littérature, des caricatures politiques racistes, des actrices du grand écran ainsi que des figures historiques et légendaires. »
– Karen Tam

Karen Tam 譚嘉文 est une artiste et commissaire basée à Tiohtià:ke/Montréal qui explore, à travers ses installations, les constructions et les imaginaires des cultures et des communautés. Depuis 2000, elle a exposé ses œuvres en Amérique du Nord, en Europe et en Chine.

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• Comment l’artiste utilise-t-elle les signes, les formes, les motifs et les couleurs pour transmettre la métaphore du Cathay, et comment ces signes ont-ils circulé dans l’imaginaire nord-américain de la Chine ?
• Quelles histoires se déroulent à travers les différentes lanternes, et de quelle manière celles-ci jouent-elles avec les histoires et les attentes culturelles, ou s’y opposent-elles ?

Future Feasts, 2024
[Festins à venir]
Impression au laser sur papier de boucher réutilisé
274,3 × 182,9 cm
Avec l’aimable concours de l’artiste

Decoloniali-tea, 2024
[Décoloniali-thé]
Engobe, glaçure, herbes séchées dans du coton cousu à la main
Concept de Tania Willard, récipients conçus en collaboration avec Jesse Birch, cuisson au bois avec la Tozan Cultural Society, Nanaimo
Dimensions variées

Refugitivi Tea, 2024
[Refugiti-thé]
Engobe et sgraffito, herbes séchées dans du coton cousu à la main, impressions numériques sur textile
Concept de Tania Willard, récipient réalisé par Myung Sun Kim
Dimensions variée

Sovereign-tea, 2022
[Souverain-thé]
Engobe et sgraffito, herbes séchées dans du coton cousu à la main
Concept de Tania Willard, récipient réalisé par Brooke Waldron, Grayhorse Native Art and Ceramics
Dimensions variées

DayDreamers Tea, 2022
[Thé des rêveurs]
Engobe et sgraffito, herbes séchées dans du coton cousu à la main
Concept de Tania Willard, récipient réalisé par Brittney Reitzel
Dimensions variées

Fringe Labour, 2022
[Main-d’œuvre marginale]
Nylon, peau de cerf, métal
182,9 × 182,9 cm
Avec l’aimable concours de l’artiste

Future Berries, 2024
[Baies à venir]
Métal, impression au laser sur bois découpée
58,42 × 60,96 × 81,28 cm
Avec l’aimable concours de l’artiste

Oregon Grape Poem #1, #2, #3, #4, 2019
[Poème du raisin de l’Oregon]
Pigment de baies de l’Oregon sur papier
74,93 × 55,88 cm
Avec l’aimable concours de l’artiste et de Scotiabank Global Art Program, Toronto

Dans cette installation, Willard réfléchit aux enjeux urgents liés à la souveraineté alimentaire autochtone. Un tableau composé de papier de boucher imprimé et usagé sert à nous rappeler que tout repose sur un équilibre fragile. Les divers textes qui nous entourent nous rappellent également les origines de la nourriture, ainsi que les notions d’écoresponsabilité et de pérennité, et soulignent que la surexploitation actuelle équivaut à un vol commis au détriment de l’avenir. L’installation se veut un appel à cultiver et à consommer de manière responsable – une pratique étroitement liée à la résurgence autochtone.

Artiste mixte secwépemc et allochtone, Tania Willard réalise des interventions basées sur le terrain qui activent des liens avec la terre, la culture et la famille, en plaçant l’art au cœur d’un mouvement de résurgence autochtone, notamment à travers des projets collaboratifs tels que la BUSH Gallery et son soutien à la revitalisation de la langue au sein des communautés secwépemc.

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• Willard invite les visiteur·euse·s à « prendre le temps / s’attarder / préparer / récolter / répéter ». Comment réagissez-vous à ces consignes ? Que vous inspirent ces actions?
• Comment réfléchissez-vous à votre propre rapport aux origines de votre alimentation?

媽媽的藥櫃 Mother’s Cupboard, 2019
[L’armoire de maman]
Impressions jet d’encre
91,44 cm × 60,96 cm
Avec l’aimable concours de Paul Wong Projects

« Wong rend hommage aux compétences, aux savoirs et à la frugalité de sa mère, Suk-Fong, en documentant sa réserve de plantes médicinales chinoises, d’ingrédients thérapeutiques et de teintures artisanales qu’elle conservait dans des bocaux réutilisés. Ces bocaux portent encore les logos de marques nord-américaines populaires et bien connues qu’elle y avait apposé ses propres étiquettes manuscrites indiquant leur contenu et la date. Wong sublime ces récipients en les présentant dans des compositions spacieuses sur des fonds blancs, fortement éclairés, dignes de publicités luxueuses pour des produits haut de gamme. » – Zoë Chan

Paul Wong est une figure pionnière, reconnu pour son travail novateur dans le domaine des arts visuels et médiatiques. Fort d’une carrière s’étendant sur plus de cinq décennies, Wong n’a cessé de repousser les limites de la narration, en s’affranchissant des conventions dominantes pour créer des œuvres in situ et pour des écrans de toutes tailles.

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• Des vestiges des marchandises nord-américains sont réutilisés comme récipients pour des médicaments chinois. Comment la mise en scène de ces récipients par Wong met-elle en valeur ces deux réalités géographiques ?
• Combien de marques reconnaissez-vous ? Combien d’herbes ?

Peace Together, 2024
[La paix, ensemble]
Découpes et sérigraphies sur papier washi
Dimensions variées
Avec l’aimable concours de l’artiste

Intérieur du magasin Hong Wo avec des clients, photographie, Archives de la ville de Richmond, numéro d’acquisition 1987 22 179

Les sérigraphies pop art de Yuen sur papier washi sont le fruit d’une recherche archivistique sur l’histoire méconnue du magasin général Hong Wo (1885-1977), de Richmond (C.-B.). Certains des articles les plus populaires y sont représentés, notamment des produits de base tels que le riz Empire et le café instantané Nescafé, mais aussi des articles ménagers : des lanternes, des bottes en caoutchouc, de la peinture et même de la mort-aux-rats. Le titre, dérivé de « Hong Wo », se traduit par « la paix, ensemble » ou « vivre en harmonie ».

Marlene Yuen est une artiste basée à Vancouver qui a obtenu son baccalauréat en arts plastiques en 1998 à l’Université de la Colombie-Britannique. Yuen est une conteuse ; elle crée des bandes dessinées, des estampes et des livres d’art pour raconter des histoires. Elle entremêle le texte et les images pour créer de l’art séquentiel.

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• Comment les pratiques alimentaires sont-elles mises à profit dans l’installation de Yuen pour explorer les histories des communautés sino-canadiennes ?
• Comment l’esthétique pop art des estam-
  pes (par exemple, les couleurs vives, la répétition) entre-t-elle en dialogue avec la recherche d’archives ?

Bigger and Better than Ever, 2022
[Plus grand et meilleur que jamais]
Néon et Plexiglas
76,20 × 76,20 cm
Avec l’aimable concours de l’artiste et de Patel Brown, Toronto

Bigger and Better than Ever 2, 2022
[Plus grand et meilleur que jamais 2]
Néon
53,98 × 127 cm
Avec l’aimable concours de l’artiste et de Patel Brown, Toronto

L’avenue Danforth, à Toronto, est une artère commerciale très fréquentée depuis 1918. À ses débuts, elle comptait notamment de nombreux marchands de fruits, dont les étals débordaient sur les trottoirs. Mécontent·e·s de cette « utilisation abusive » de l’espace public, d’autres commerçant·e·s du quartier ont protesté en encourageant tous les commerces à occuper les trottoirs, ce qui a ironiquement conduit de nombreux d’entre eux au succès commercial. Le titre fait référence à la manière dont cette manifestation est devenue une tribune pour ces commerces tenus par des immigré·e·s italien·ne·s. La corbeille de fruits fait allusion à l’un des premiers logos du Vincenzo’s Supermarket, toujours en activité sur l’avenue Danforth et géré de famille depuis 1964.

Shellie Zhang (née en 1991 à Pékin, en Chine) est une artiste basée à Toronto et à New Haven. Œuvrant à travers multiples médiums, elle explore la manière dont les héritages de la traduction, de la migration et de la mémoire laisse des traces et des empreintes sur les corps, les matériaux et les images.

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• Les néons ont pour but d’inciter les passant·e·s à entrer. Comment réagissez-vous à leur appel dans la galerie ?
• L’œuvre ironise sur la manière dont les manifestations se sont transformées en une célébration communautaire et commerciale. En quoi l’esthétique de l’œuvre reflète-t-elle cette festivité ?